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5 fotogramas de películas que nos marcaron por el uso del color y la fotografía

Sentir el frío, entender la frustración de un personaje o experimentar verdadero miedo. La fotografía en el cine es capaz de conmovernos y asombrarnos. El color, por su parte, es otro componente esencial para que todas estas intenciones funcionen.

Hemos estado charlando con Daniel Cuenca Vega (alumno del Máster en Color y en Etalonaje Digital) y con Marina Tomás (alumna del Máster en Dirección de Fotografía Cinematográfica) sobre el tratamiento del color y el planteamiento creativo de la fotografía en cinco fotogramas de películas que seguro que te marcaron como espectador/a.

‘Trainspotting’, de Danny Boyle

Sinopsis: Mark Renton, un joven escocés de Edimburgo, y sus amigos son adictos a la heroína, lo que significa que viven fuera de la realidad, en un mundo aparte. Dentro del grupo hay un psicópata alcohólico y violento, un joven desesperado, un mujeriego con un conocimiento enciclopédico sobre Sean Connery y un entusiasta de las caminatas y de Iggy Pop.

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Uso del color rojo: adicciones y peligros

Para Daniel Cuenca, en ‘Trainspotting’ se ha dado mucha importancia a representar los momentos de peligro con los tonos rojos, y los momentos de tranquilidad, con los verdosos. «En este sentido, se apuestan por los colores complementarios para transmitir la dualidad que está presente en las decisiones del personaje. El verde asociado a un cambio de vida saludable que lo aleje del ritmo que lleva, y el magenta mostrando el lado más carnal de sus adicciones».

Simetría y profundidad de campo

Marina Tomás nos explica, respecto al fotograma, que desde el punto de vista de la fotografía, su composición es simétrica. «Deja al personaje en el centro del fotograma, con profundidad de campo suficiente para que el fondo esté roto y se separe de él», añade.

La fotografía y el color van dados de la mano. En palabras de Marina: «La historia se apoya mucho en los colores elegidos, así como en los encuadres, para transmitir sensaciones al espectador. El personaje habita un mundo nocturno en el que las luces son artificiales. Se necesita apoyo del color para sacarnos de la realidad».

Cisne negro, de Darren Aronofsky

Sinopsis: Nina (Natalie Portman), una brillante bailarina que forma parte de una compañía de ballet de Nueva York, vive completamente absorbida por la danza. La presión de su controladora madre (Barbara Hershey), la rivalidad con su compañera Lily (Mila Kunis) y las exigencias del severo director (Vincent Cassel) se irán incrementando a medida que se acerca el día del estreno. Esta tensión provoca en Nina un agotamiento nervioso y una confusión mental que la incapacitan para distinguir entre realidad y ficción.

Tonos oscuros para simbolizar el vacío

En ‘Cisne negro’, «los colores nos expresan el sufrimiento que atraviesa el personaje mientras se va adentrando en el competitivo mundo del ballet y va perdiéndose a sí misma al seguir sus ambiciones», nos comenta Daniel. Es por ello que predominan colores como el rojo (vinculado a la sangre y a las heridas) y los tonos oscuros para simbolizar el vacío, la tristeza y la soledad.

«El proceso de corrección de color tuvo que ser más complicado de lo habitual ya que se tenía que igualar metraje de cámara de 16mm y de varias cámaras DSLR para crear esa mezcla de texturas tan distintas durante el desarrollo de la historia«, nos cuenta nuestro alumno del Máster en Color y en Etalonaje Digital tras haber investigado sobre el proceso de color del film.

Planos cerrados que nos acercan al personaje

Marina, por su parte, enfatiza el uso de un plano cerrado en el fotograma. «Es un plano muy cerrado en cuanto a encuadre. También muy contrastado, mostrando las luces y las sombras. Esto nos permite observar lo íntimo del momento para el personaje».

En cuanto al uso del color, lo desglosa en tres colores principales: el blanco representa al cisne (el papel deseado), que luego se tiñe de negro (su propia lucha interna por el éxito y cómo se pierde en esa carrera), y el rojo (la pasión, y, eventualmente, la sangre).

‘Ciudad de Dios’, de Fernando Meirelles y Kátia Lund

Sinopsis: La vida de Fusée (Alexandre Rodrigues) y Dadinho (Douglas Silva), desde que son niños que malviven a finales de los 60 en La ciudad de Dios (nombre de un suburbio de Río de Janeiro), hasta que, a principios de los 80, el primero es fotógrafo, y el segundo un narcotraficante, centran esta dura historia.

Azul: color de resiliencia

«Al personaje principal lo tenemos usando el color azul, que representa la experiencia de salir adelante frente a las adversidades de salir adelante en el ambiente hostil en el que vive«, analiza Daniel.

En cuanto a la sinergia entre color y fotografía, nuestro alumno nos explica que el uso del fotoquímico también sirvió para potenciar las texturas al rodar en exteriores.

Luz natural para aportar realismo

Según nos cuenta nuestra alumna del Máster en Dirección de Fotografía Cinematográfica, en el caso de esta película, al estar basada en hechos reales, la iluminación es representativa de luz natural. «En el fotograma escogido, de una escena exterior-día, vemos que la luz que llega es del sol y se aprovechan los edificios para grabar con una luz homogénea».

‘Paris, Texas’, de Wim Wenders

Sinopsis: Un hombre camina por el desierto de Texas sin recordar quién es. Su hermano lo busca e intenta que recuerde cómo era su vida cuatro años antes, cuando abandonó a su esposa y a su hijo. A medida que va recuperando la memoria y se relaciona con personas de su pasado, se plantea la necesidad de rehacer su vida.

Colores que evolucionan con los personajes

Daniel analiza la evolución en el uso del color en ‘París, Texas’. «La peli empieza con planos apagados y termina con unos tonos bastante saturados para captar el viaje interior que realizan los personajes. Esta escena en especial es una de las que mejor transmite la soledad del personaje».

«En este caso, se usa una paleta de colores análogos, que además son muy agresivos a la vista al estar tan saturados. El color es acompañado por la fotografía, en este caso, reflejando esos paisajes desolados de la América profunda y servir de contrapeso al vacío que sienten los personajes«.

Una fotografía centrada en los espacios

Marina nos explica el palpable trabajo conjunto entre el departamento de fotografía, arte y dirección: «El tratamiento del director de fotografía Robby Müller, se centra en los espacios y en cómo estos hablan de los personajes que los ocupan. Así como también esos espacios separan a los personajes entre sí».

«En ‘París, Texas’, entendemos que para presentar al personaje y separarlo de lo que viene ocurriendo, el color es fundamental«, matiza nuestra alumna del Máster en Color de Fotografía Cinematográfica.

‘2001: Una odisea del espacio’, de Stanley Kubrick

Sinopsis: La película de ciencia-ficción por excelencia de la historia del cine narra los diversos periodos de la historia de la humanidad, no sólo del pasado, sino también del futuro. Hace millones de años, antes de la aparición del «homo sapiens», unos primates descubren un monolito que los conduce a un estadio de inteligencia superior. Millones de años después, otro monolito, enterrado en una luna, despierta el interés de los científicos. Por último, durante una misión de la NASA, HAL 9000, una máquina dotada de inteligencia artificial, se encarga de controlar todos los sistemas de una nave espacial tripulada.

Colores rojos y la soledad del espacio

«El rojo del personaje como punto de atención frente al blanco y negro nos hace centrar toda nuestra atención en el sujeto. En esta película, nuestro personaje viaja solo por la inmensidad del espacio, los colores también muestran esa soledad«, apunta nuestro alumno del Máster en Color y en Etalonaje Digital.

En cuanto a la fotografía, Marina comenta que «el plano escogido está planteado de forma que sitúa al espectador en un espacio concreto, que se escapa de lo ordinario, dentro de una nave espacial». «Debido a la ausencia de gravedad, se escoge un plano general que muestra luces prácticas en un espacio reducido«.

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