El estreno de la película es la excusa perfecta para que, en el marco de un nuevo Kinótico Extra y gracias al apoyo de ECAM, sean varias las figuras que se sienten con nosotros para debatir sobre la función política y pedagógica del séptimo arte en nuestra coyuntura: además del propio James Franco, Ana Pastor (presentadora de televisión y fundadora de Newtral), Elizabeth Duval (escritora, crítica y activista), Octavio Alzola (director de programación y marketing de Cines Renoir) y María Olmedilla (directora de cine y alumni de la ECAM) intentan aportar luz al debate.

¡Puedes escuchar al completo el episodio Kinótico Extra x ECAM. ‘Dreams’, cine y política aquí!

Del 22 de junio al 24 de julio, la ECAM vuelve a abrir su Campamento Urbano de Cine para niños, niñas y jóvenes de entre 5 y 17 años. Durante cinco semanas, la escuela se transforma en un lugar muy distinto al habitual. Un espacio donde el cine deja de ser algo externo y pasa a vivirse desde dentro.

Porque aquí no se viene a “aprender cine” en un sentido tradicional. Se viene a probarlo, a jugarlo, a construirlo en equipo, a equivocarse y a volver a intentarlo. El cine, en realidad, funciona así.

Un primer día que no se parece a ningún otro

Todo empieza con algo sencillo: un grupo de niños y jóvenes que no se conocen entre sí, entrando por primera vez en la escuela. Hay curiosidad, algo de timidez, muchas preguntas y todavía ninguna certeza. Pero en muy poco tiempo algo cambia.

Aparecen las primeras ideas. Luego los personajes. Después las escenas. Y casi sin darse cuenta, están dentro de una historia que ellos mismos están creando.

Un rodaje no empieza cuando suena la claqueta. Empieza mucho antes, en ese momento en el que alguien dice “¿y si hacemos esto así?”.

Cada edad, una forma distinta de mirar el cine

No todos los participantes viven la experiencia igual. Y eso es parte esencial del campamento. Los más pequeños entran desde el juego puro: inventan mundos, personajes, situaciones imposibles. El cine es imaginación sin filtro. A medida que crecen, empiezan a descubrir cómo se construyen esas historias (cómo se planifica una escena, cómo se decide un plano, cómo se trabaja en equipo para que una idea funcione…).

Mientras que, en los grupos de los niños más mayores, el proceso se acerca mucho más a una producción real: desarrollan proyectos completos, toman decisiones creativas y entienden el cine como un trabajo colectivo donde cada rol tiene un peso fundamental.

Lo mejor del campamento es que la experiencia se organiza en itinerarios según la etapa educativa:

• 5 a 7 años: primer contacto con el cine desde el juego y la imaginación
• 8 a 10 años: descubrimiento del proceso cinematográfico
• 11 a 13 años: exploración de géneros y trabajo en equipo
• 14 a 17 años: creación de un proyecto audiovisual completo

Aprender a hacer cine es aprender a hacerlo en equipo

Si hay algo que define esta experiencia es esto, porque nadie hace una película solo. Desde la idea inicial hasta el montaje final, todo depende de todos, y eso transforma la manera de relacionarse con el trabajo creativo.

Aprenden a escuchar, a ceder, a proponer, a equivocarse sin miedo. Descubren que una película no es la suma de decisiones individuales, sino un proceso compartido donde cada persona es importante. Ese se convierte en uno uno de los aprendizajes más valiosos del campamento.

KINO-LAB: el cine más allá del rodaje

Este año, además, el campamento crece con KINO-LAB, un espacio donde la creatividad se abre a nuevas formas. No todo tiene que acabar en una película. Aquí también se crean pósters, se experimenta con el sonido, se exploran formatos híbridos, se prueban ideas visuales, se graban podcast o se reinterpretan historias desde otros lenguajes. KINO-LAB funciona como un laboratorio creativo donde el cine se estira, se rompe y se reinventa.

Profesionales que trabajan en cine

El equipo está formado por profesionales en activo del sector audiovisual y educativo. Eso significa que lo que ocurre aquí no es una simulación, sino una aproximación real al trabajo cinematográfico, adaptada a cada edad, pero conectada con la práctica profesional actual.

Además, el campamento no ocurre en un espacio preparado para la ocasión. Ocurre en una escuela de cine real. La ECAM es un lugar donde se forman futuros directores, guionistas, técnicos y creadores audiovisuales, y eso es algo que se nota en el ambiente, en los espacios, en la energía del lugar. Durante el verano, la escuela cambia de ritmo, pero no de esencia.

Un verano que deja huella

El Campamento Urbano de Cine de la ECAM es mucho más que una actividad de verano. Es una experiencia creativa en la que niños y jóvenes descubren el cine desde dentro, desarrollan su imaginación y aprenden a trabajar en equipo. Porque a veces, la mejor forma de ver cine… es hacerlo.

Información práctica

• ¿Dónde? En la Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid (ECAM). C/ Juan de Orduña, 3. Ciudad de la Imagen. 28223, Pozuelo de Alarcón (Madrid).
• ¿Duración? Entre el 22 de junio al 24 de julio, dividido en cinco semanas.
• ¿A quién va dirigido? Para niños y jóvenes de entre  5 a 17 años, con varios itinerarios formativos por franjas de edad.
• ¿Horarios? De lunes a viernes de 9:30 a 14:00 h.
• Despertar creativo (opcional, sin coste extra): de 08:30 a 09:30 horas.
• Comedor y actividades (opcional, con coste extra): de 14:00 a 16:30 horas.
• Becas y descuentos disponibles.
• Inscripciones en este enlace.

Más información escribiendo a campamento@ecam.es

El acto ha sido presentado por Carlos F. Heredero, miembro del comité editorial de Imprenta Dinámica, quien ha destacado este título como una obra fundamental para profesionales, estudiantes y amantes del cine. “Desde Imprenta Dinámica ha sido un placer editar este ejemplar, lo hemos hecho con mucho cariño y con el respeto sabiendo que Néstor Almendros merecía este libro. Queríamos homenajear su legado como director de fotografía y hemos añadido aspectos que enriquecen esta edición como un prólogo de Jaume Peracaula, una biografía extensa del autor y fotos en color de su trabajo comentado. Es un libro que nos ayuda a pensar el cine y a pensar en la propia naturaleza del mensaje cinematográfico”.

A continuación, ha tomado la palabra Virginia Yagüe, presidenta de DAMA, quien ha resaltado: “Cuando pusimos en marcha Imprenta Dinámica aspirábamos a incorporar nuevas formas de pensar y de acercarnos a las imágenes, al tiempo que devolvíamos a la circulación aquellos textos que han contribuido a conformar nuestra cultura cinematográfica. Días de una cámara ocupa un lugar privilegiado entre ellos. Se trata de una obra profundamente humanista que trasciende lo técnico y lo formal. Es, como señaló Truffaut, la historia de una vocación: la construcción de una mirada”.

En ‘Días de una cámara’, Néstor Almendros ofrece sus personales y sinceras reflexiones – de carácter técnico, estético y estilístico a la vez – sobre cada una de las películas en las que intervino como director de fotografía. Un itinerario apasionante por obras de la magnitud de ‘La coleccionista’, ‘El pequeño salvaje’, ‘Mi noche con Maud’, ‘Las dos inglesas y el amor’, ‘La marquesa de O.’, ‘Días del cielo’, ‘Kramer contra Kramer’, ‘El último metro’ o ‘La decisión de Sophie’.

En palabras del autor: “Mi paisaje favorito en el cine es el rostro humano; en él, encuentro la suma y compendio de todos: los más fascinantes montes y valles, los más cristalinos lagos, los más frondosos bosques (…). Un principio básico en mi trabajo es el que las fuentes de luz estén justificadas. Creo que lo funcional es bello, que la luz funcional es hermosa. Aspiro a que mi luz sea más lógica que estética”.

A la presentación han acudido, además, Jaume Peracaula i Roura, autor del prólogo de esta reedición y director de fotografía, junto a la directora de fotografía Elisabet Prandi (AEC), todos ellos seguidores del trabajo de Almendros.

En palabras de Jaume Peracaula i Roura: “Coincidí con Néstor en el último rodaje que hizo, pero pude empaparme de su manejo de la luz y de su lado más humanista. Regresar a este libro es poder redescubrir a una persona muy creativa, con una sensibilidad y con unos conocimientos enormes. Es un libro muy didáctico, imprescindible tanto para las escuelas de cine como para los seguidores de su trabajo como cinematógrafo”.

Más sobre el autor

Ganador del Oscar de Hollywood a la Mejor Fotografía por la película ‘Días del cielo’, de Terrance Malick, Néstor Almendros fue un colaborador esencial para cineastas como Éric Rohmer, François Truffaut, Barbet Schroeder, Monte Hellman, Jean Eustache, Robert Benton o Martin Scorsese. Su extensa filmografía le desvela como una figura central y de enorme significación para el cine de la modernidad por su trabajo con la luz natural, por su filosofía de la cámara y el encuadre, y por un elegante estilo visual que proviene de una concepción orgánica de todo el proceso creativo de la imagen.

La colección Imprenta Dinámica (definición del cine que daba Ramón Gómez de la Serna), editada por ECAM y DAMA en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine, es una línea de publicaciones concebida para poner a disposición de los lectores una serie de libros que ofrezcan, al mismo tiempo, conocimientos útiles para el desempeño de la profesión cinematográfica y una reflexión teórica y divulgativa capaz de interesar a un amplio espectro de aficionados al cine y a la cultura audiovisual contemporánea. La colección ha editado ‘En el momento del parpadeo’ (Walter Murch), ‘La caja de madera’ (Enrique Urbizu y Carlos Gómez), ‘Cuentos de los mil y un Rohmer’ (Françoise Etchegaray), ‘La reescritura infinita’ (Enric Albero), ‘El acto de creación en el cine’ (Alain Bergala), ‘El cine deseado’ (Carlos Losilla), ‘Iceberg Borau’ (Carlos F. Heredero), ‘Me quitaron de en medio’ (Nicholas Ray), ‘El cazador de mariposas’ (Marta Andreu), ‘Viaje al corazón del bosque’ (John Yorke) y ‘Días de una cámara’ (Néstor Almendros).

Sobre la ECAM

ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) es una fundación cultural sin ánimo de lucro cuyo objetivo es formar a las próximas generaciones de cineastas y promover actividades culturales asociadas al sector audiovisual. Cada año más de 300 profesionales en activo del cine, la televisión y la publicidad pasan por sus instalaciones para transmitir su conocimiento a las nuevas promociones de estudiantes. Diplomaturas, Formación de Posgrado, Alfabetización Audiovisual y Formación Continua son la gama de titulaciones que componen la oferta educativa de la escuela, que se adapta a las necesidades del mercado laboral y de la industria audiovisual. Su profesorado y las relaciones institucionales establecidas con el sector le permiten generar puentes con el mundo profesional, haciendo de la ECAM un punto de encuentro de la industria cinematográfica.

Sobre DAMA

Con más de 25 años de experiencia, DAMA es la única entidad española especializada en la gestión colectiva de derechos de obras audiovisuales, y se ha convertido en la referencia del sector gracias a su transparencia en la recaudación y el reparto. Además, trabaja para promover y defender la creación audiovisual a través de diferentes programas asistenciales y de formación. Presidida por la guionista de cine y tv Virginia Yagüe, DAMA cuenta con más de 3.500 socias y socios, y gestiona los derechos de remuneración de los autores audiovisuales (directores y guionistas) de 40 países.

Sobre Caimán Cuadernos de Cine

Caimán Cuadernos de Cine (ex Cahiers du cinéma. España) es una revista mensual y especializada, fundada en mayo de 2007. Siguiendo la estela de la histórica publicación francesa, la revista propone una mirada crítica y reflexiva sobre el cine de nuestra época y sobre el conjunto de la Historia del cine. Es también un motor de iniciativas y un ámbito de intervención sobre el conjunto de la institución fílmica, publica dosieres y cuadernillos especiales sobre una multitud de temas, obras y personalidades, a la vez que organiza y dirige cursos de cine y de crítica cinematográfica y edita libros en colaboración con múltiples instituciones (festivales, escuelas de cine, museos, etc.).

Sobre La Cinémathèque française

Fundada en 1936 por Henri Langlois, Georges Franju, Jean Mitry y Paul Auguste Harlé. Tiene como misión recopilar, conservar, restaurar y difundir el patrimonio cinematográfico mundial. Con el paso de los años se ha convertido en uno de los archivos más famosos del mundo gracias a la riqueza de sus colecciones, que pone en valor mediante retrospectivas cinematográficas, conferencias y clases magistrales, exposiciones temporales y publicaciones, tanto científicas, como dirigidas al gran público.

Desde clásicos indiscutibles hasta piezas más recientes, estas recomendaciones atraviesan géneros, épocas y miradas muy distintas, pero todas tienen algo en común y es que su paso por Cannes dejó huella.

Laura Sánchez Avilés | Una partida de ajedrez entre café, humo y conversaciones
‘Coffee and Cigarettes’, de Jim Jarmusch

“En ‘Coffee and Cigarettes’ se plasma la vida como un tablero de ajedrez: el blanco y negro alude a las luces y sombras de cada individuo. Las mesas, las tazas y el humo construyen un tablero donde los personajes conversan midiendo cada movimiento. Incluso el cambio de sitio de los personajes recuerda al enroque en ajedrez, un movimiento que suele hacerse en la apertura para conseguir, por un lado, una posición del rey más segura y, por otro, una posición más activa de la torre. Sin embargo, en esta película ningún personaje quiere adoptar la posición de la torre, sienten que prefieren estar más seguros en la otra silla”.

Antes de convertirse en una película de culto, ‘Coffee and Cigarettes’ nació como un cortometraje que ganó la Palma de Oro al Mejor Cortometraje en Cannes en 1993. Años después, Jim Jarmusch expandió aquel universo en blanco y negro hasta convertirlo en una obra única sobre los márgenes, las conversaciones y el paso del tiempo.

“Jarmusch filma como quien compone un sueño. ‘Coffee and Cigarettes’ es una invitación a detener el tiempo y disfrutar de la maravillosa partida de ajedrez que es la existencia”.

Carlos Samuel Herrera Martínez | Cine autobiográfico y memoria familiar
‘Romería’, de Carla Simón

“Elijo esta película porque me parece clave para entender la filmografía de Carla Simón y cómo cierra una etapa muy centrada en la memoria familiar y la historia personal. Filme que sirve como crónica que acompaña a sus trabajos anteriores que retrata las dificultades familiares y el problema de drogodependencia que habitó el estado español”.

‘Romería’ compitió en la Sección Oficial del Festival de Cannes en 2025 y funciona como el cierre de la trilogía autobiográfica de Carla Simón. A través de la reconstrucción de la memoria familiar, la directora vuelve a explorar cuestiones como la identidad, las raíces o las heridas generacionales.

La relación de Carla Simón con el festival es especialmente destacada dentro del cine español, ya que su debut, ‘Verano 1993’, fue premiado en la sección Écrans Juniors en 2017, consolidando su proyección internacional desde sus inicios. Más recientemente, en esta edición ha sido presidenta del jurado de la sección oficial de cortometrajes y de La Cinef, reforzando su vínculo con Cannes.

David Castiella Morales | El horror de la guerra convertido en pesadilla cinematográfica
‘Apocalypse Now’, de Francis Ford Coppola

“Capaz de entretejer pesadilla y realismo como pocas películas bélicas, además de mostrar a Estados Unidos como una auténtica máquina de guerra”.

‘Apocalypse Now’ participó en el Festival de Cannes en 1979, donde ganó la Palma de Oro (compartida con ‘El tambor de hojalata’). La película se proyectó además como una versión inacabada, convirtiendo su accidentado rodaje en parte de la propia leyenda del festival y de la historia del cine contemporáneo.

Darío Guijarro Diéguez | La memoria, la infancia y los misterios familiares
‘El sur’, de Víctor Erice

“Elijo ‘El sur’ porque consigue transmitir en imágenes cómo opera la memoria y el recuerdo infantil a la perfección, además de esa imposibilidad de terminar de conocer al otro, de verle en su plenitud y entenderle, por la relación de la niña con el padre. El hecho de que estuviera inacabada y que nunca se termine de resolver el enigma y se mantenga como ese «sur» mítico y prometido le aporta un toque de imposibilidad a la realización de nuestros sueños, cosa que sin duda dialoga con buena parte de la gente que vivió la posguerra española”.

Considerada una de las grandes obras maestras del cine español, ‘El sur’ compitió en la Sección Oficial del Festival de Cannes en 1983. La película, inacabada por decisiones de producción, convierte precisamente esa ausencia y ese misterio en parte imprescindible de su historia y narrativa.

Formación para una mirada crítica del cine

El Máster en Crítica Cinematográfica de la ECAM, organizado junto a Caimán Cuadernos de Cine y dirigido por Carlos F. Heredero, ofrece una formación para desarrollar una mirada crítica sólida sobre el cine. A lo largo del curso, el alumnado puede profundizar en la teoría, la historia y la práctica de la crítica fílmica, aprendiendo a analizar las películas desde su dimensión estética, cultural e industrial. Con un enfoque teórico-práctico y orientado al ámbito profesional, el máster prepara a futuros críticos y críticas capaces de escribir sobre cine con rigor, contexto y una voz propia dentro del panorama audiovisual actual.

Si quieres desarrollar tu mirada crítica, la convocatoria para el curso 2026/2027 ya está abierta. Puedes consultar toda la información e inscribirte aquí.

Como explica Luis Ochoa, coordinador del Máster en Color y Etalonaje Digital de la ECAM, “el colorista es el último creador invisible de la imagen”. Su trabajo no consiste únicamente en corregir o equilibrar planos, también va más allá al colaborar con la dirección de fotografía en la intención del proyecto y traducirla en una estética coherente.

Aunque tradicionalmente su labor se situaba al final del proceso, en la fase de posproducción, hoy su presencia empieza mucho antes. Cada vez es más habitual que participe desde la preproducción o incluso durante el rodaje. Porque “el look ya no es una capa que se añade al final, sino una decisión de fotografía que atraviesa todo el proyecto”, cuenta Ochoa.

El color como lenguaje de la emoción

El espectador no suele detenerse a pensar en el color. Pero lo siente. Siempre.

“El espectador no analiza el color, pero reacciona a él constantemente”, apunta Ochoa. Y ahí reside su potencia: el color trabaja a un nivel casi subconsciente. Define el tono emocional de una escena, guía la mirada y construye atmósferas que, en muchos casos, cuentan más que el propio guion.

Antes de que una escena se entienda, ya se ha percibido. Y en esa primera impresión, el color es clave.

Técnica, criterio y mirada

En un momento en el que las herramientas están más democratizadas que nunca, la diferencia ya no está solo en saber utilizarlas.

“Un buen colorista sabe manejar la herramienta. Uno excelente sabe cuándo no tocar nada”, resume Ochoa.

El etalonaje ha evolucionado enormemente en los últimos años gracias a herramientas digitales como DaVinci Resolve, que han ampliado las posibilidades creativas y facilitado el acceso. Pero esa accesibilidad también ha elevado el nivel de exigencia: hoy es más fácil empezar, pero sigue siendo complejo alcanzar un nivel profesional.

Porque el verdadero valor no está solo en la técnica, sino también en el criterio. En saber leer una imagen, entender un proyecto y tomar decisiones que sumen a la narrativa.

Un perfil cada vez más necesario

El crecimiento de la industria audiovisual (plataformas, cine, televisión, publicidad o contenido digital) ha multiplicado la necesidad de perfiles especializados.

“Hoy en día, si no pasas por un colorista, tu proyecto está incompleto”, afirma Ochoa.

Las cámaras actuales graban en formatos como log o raw, que ofrecen una gran flexibilidad pero requieren un trabajo de fotografía en set y posterior para definir la imagen final. A esto se suman nuevos estándares como el HDR y las exigencias técnicas de las plataformas, que han convertido el color en una fase estructural del proceso.

“Los proyectos que más trabajan el color son aquellos donde el color forma parte del lenguaje, no solo del acabado”, añade Ochoa. Aunque todos los proyectos pasan por color, su impacto es especialmente visible en ficción, publicidad y videoclips, donde no solo unifica, sino que construye identidad, define mundos y ayuda a contar la historia, que marca dirección y dirección de fotografía.

En cine y series, el color es clave para diferenciar épocas, realidades o estados emocionales, pero en publicidad y videoclips, el nivel de intervención suele ser aún mayor, ya que la imagen tiene que ser muy precisa, controlada y con un impacto inmediato.

Sin embargo, cada vez hay menos proyectos “neutrales”: incluso en documental o contenido para redes, el color se utiliza para aportar coherencia y personalidad.

Aprender a mirar

Para dedicarse al etalonaje no basta con dominar el software. Hace falta desarrollar una mirada.

“La técnica se aprende relativamente rápido. El criterio y la experiencia es lo que te hace profesional”, señala Ochoa.

Esto implica comprender los flujos de trabajo, la gestión de color o los estándares técnicos, pero también construir una cultura visual sólida. Ver cine, analizar imágenes, experimentar y equivocarse forman parte del proceso.

Como nos cuenta Ochoa, “lo que realmente marca la diferencia es la cultura visual, la sensibilidad y la capacidad de tomar decisiones. Saber mirar es tan importante como saber usar un software”.

Formación conectada con la industria

El Máster en Color y Etalonaje Digital de la ECAM nace precisamente para dar respuesta a esta necesidad creciente. Su enfoque combina la formación técnica con una aproximación real al trabajo en la industria.

“No enseñamos solo herramientas, enseñamos a trabajar como coloristas en proyectos reales”, explica Ochoa.

El alumnado trabaja con material profesional, en entornos que replican las condiciones del sector, y con un acompañamiento cercano que permite desarrollar tanto habilidades como criterio.

Además, la escuela cuenta con instalaciones especializadas: estaciones de trabajo individuales con monitores calibrados y controladoras físicas, salas de etalonaje con monitores 4K HDR de grado 1, paneles profesionales como la Advance Color Panel de DaVinci y espacios de proyección DCI donde realizar el trabajo de color en condiciones de cine.

Un oficio con múltiples salidas

El perfil de colorista abre la puerta a trabajar en proyectos muy diversos: cine, series, publicidad, videoclips o contenido digital.

Se puede desarrollar la carrera en estudios especializados, como freelance o incluso creando una sala propia. En todos los casos, se trata de un perfil cada vez más demandado y con una conexión directa con la parte creativa de los proyectos.

Porque en un sector donde la imagen lo es todo, quien ayuda a definir cómo se ve (y cómo se siente) una historia ocupa un lugar esencial. Si quieres más información acerca del Máster en Color y Etalonaje Digital, puedes contactar con nosotros a través del formulario de nuestra web o escribiéndonos a master@ecam.es.

Lejos de ser simples reposiciones, estos reestrenos se convierten en auténticos eventos cinematográficos: nuevas generaciones descubren clásicos por primera vez y el público que ya los conocía tiene la oportunidad de verlos como nunca antes. En ese cruce entre memoria y presente es donde la restauración cobra sentido. 

• Kill Bill: The Whole Bloody Affair (Quentin Tarantino)  

El reestreno de este clásico en formato restaurado y en 70mm en el mk2 Cine Paz de Madrid (el único cine de Madrid que proyecta en 70mm) ha sido uno de los grandes fenómenos recientes. Esta versión de la famosa obra de Quentin Tarantino reúne los dos volúmenes en una única película de más de cuatro horas, con metraje inédito y una restauración de altísima calidad, siendo esta la visión más completa, extensa y auténtica del director. 

El resultado: más de 2.000 espectadores en sus primeras sesiones y una experiencia cinematográfica única en formato panorámico. 

• La comunidad (Álex de la Iglesia)

La emblemática película española regresó el pasado 21 de agosto de 2025 a los cines, veinticinco años después de su estreno, en versión remasterizada en 4K por Mercury Films (FlixOlé) y distribuida en cines por Avalon. 

Proyectada en 118 salas, la película volvió a demostrar su vigencia: su retrato del vecindario, la corrupción y la convivencia sigue siendo tan actual como en el 2000, año en el que fue la película española más taquillera. Un reestreno que confirma su estatus como clásico contemporáneo del cine español. 

• El resplandor (Stanley Kubrick)  

Uno de los grandes ejemplos internacionales de restauración y reestreno es El resplandor (1980), que fue presentada en una versión restaurada en 4K UHD en el Festival de Cannes de 2019 dentro de Cannes Classics, realizada por Warner Bros y presentada por el director mexicano Alfonso Cuarón. 

La restauración, realizada a partir de un nuevo escaneo del negativo original de 35 mm y supervisada por Leon Vitali (colaborador cercano de Kubrick), permitió recuperar con gran fidelidad la fotografía, el color y el sonido de la película. El resultado acercó la experiencia visual a la intención original del director y permitió redescubrir la película en condiciones técnicas muy superiores a las de sus versiones anteriores. 

• L’amour fou (Jacques Rivette) 

Otro caso clave es el de L’amour fou (1969), de Jacques Rivette, una obra fundamental de la Nouvelle Vague que llegó por primera vez a cines seleccionados de España el 9 de mayo de 2024, distribuida por Atalante Cinema. Durante décadas, la película fue difícil de ver, en parte debido a la pérdida de su negativo original en un incendio en los años setenta. 

La versión de 255 minutos y restaurada en 4K reconstruye el filme a partir de distintos materiales, devolviendo a la pantalla una de las obras más radicales y libres del cine europeo. En ella, Rivette propone un juego de espejos entre teatro y cine, realidad y representación, siguiendo la relación entre un director y su actriz en un proceso creativo que desborda hacia lo íntimo. 

El cine como patrimonio vivo 

Viendo estos ejemplos, notamos que la restauración fílmica va mucho más allá de la técnica, ya que su trabajo pone en valor la memoria cultural. Cada película restaurada es una forma de preservar la historia del cine y garantizar que siga siendo accesible en el futuro. 

En un momento en el que los formatos digitales evolucionan constantemente, la preservación se convierte en un desafío clave para la industria audiovisual. En este sentido, el Máster en Restauración y Preservación Fílmica de la ECAM nace para que los futuros profesionales del sector puedan poner en práctica técnicas para cuidar la memoria del cine, en un programa práctico, especializado y conectado con la industria para aprender a conservar, restaurar y devolver al público el patrimonio cinematográfico mundial. 

El programa aborda todo el flujo de trabajo: desde la identificación y catalogación de materiales hasta la restauración digital avanzada, incluyendo software especializado y trabajo con herramientas reales del sector. Además, el alumnado participa en proyectos prácticos de restauración de archivos históricos, acercándose al trabajo real de la industria. Las matrículas aún están abiertas, puedes apuntarte aquí. 

Si quieres saber más, puedes consultar toda la información del máster.

Tras vestir este año a la actriz Jade Oukid para la alfombra roja de los Goya, ahora da un nuevo salto profesional acompañando al actor Marc Soler en la presentación de ‘Viva’, la nueva película dirigida por Aina Clotet, en el Festival de Cannes.

“Para mí es muy especial porque siento que Cannes representa un paso muy importante dentro del camino que empecé precisamente en la ECAM”, explica Rosell. “Hoy entiendo cada diseño como una herramienta para construir personajes, atmósferas y emociones dentro de una historia”.

Su paso por el Máster de Diseño de Vestuario para Cine, Series y Teatro le permitió profundizar en una mirada más narrativa y cinematográfica del vestuario, entendiendo el diseño más allá de la moda para verlo también desde la construcción de personajes y el lenguaje audiovisual.

“A mí me animó mucho el máster porque terminaba mi proyecto final de grado con una colección muy teatral y sentí la necesidad de adentrarme en el mundo del cine y del teatro desde dentro”, contaba Rosell en una entrevista para la ECAM. “Vemos la película o la obra terminada, pero la parte más bonita es todo lo que ocurre detrás”.

Durante su formación, uno de los proyectos que más le marcó fue una reinterpretación de Marilyn Monroe desde una perspectiva alejada del mito clásico. “Todo el mundo la visualiza como un icono perfecto y yo la trabajé desde la derrota, desde la idea de una muñeca rota”, explicaba. Un enfoque creativo que refleja su interés por construir personajes complejos a través del vestuario.

Además de la parte práctica, Rosell destaca la importancia de la investigación y la historia del vestuario dentro de su aprendizaje: “Saber de dónde venimos es fundamental. Estudiar diferentes épocas, tejidos o referencias históricas te ayuda después a construir tus propias creaciones”.

Ahora, con la llegada a Cannes, el diseñador celebra también el recorrido de proyectos nacidos desde contextos más pequeños: “Me hace mucha ilusión que proyectos que nacieron desde Mollerussa puedan llegar a espacios internacionales como Cannes. Creo que habla también de una nueva generación de creadores que entiende la moda desde un lugar híbrido entre cine, escena e imagen”.

El Máster de Diseño de Vestuario para Cine, Series y Teatro de la ECAM ofrece una formación integral especializada en la creación de vestuario para audiovisual y escena. A lo largo de dos cursos académicos, el alumnado trabaja todas las fases del diseño de personajes: desde el análisis narrativo y la documentación histórica hasta la realización de figurines, prototipos y confección final, siempre en contacto con profesionales en activo y producciones reales.

Si quieres desarrollar tu mirada creativa y especializarte en el diseño de vestuario para cine, series y teatro, la convocatoria para el curso 2026/2027 ya está abierta. Puedes consultar toda la información e inscribirte aquí.

Una fase clave en el audiovisual contemporáneo 

“La posproducción es el último lugar donde se construye la película”, explica Luis Ochoa, coordinador del máster y colorista DI senior. Un proceso que, lejos de ser solo técnico, es profundamente creativo. 

A diferencia del rodaje, marcado por la inmediatez, la posproducción permite algo fundamental: tiempo para pensar, probar y decidir. “Aquí existe el control Z. Puedes explorar distintos caminos, ajustar, volver atrás. Eso, como creador, es una ventaja enorme”, añade. 

Ese margen de experimentación convive hoy con una realidad cada vez más exigente. El nivel técnico y creativo de las producciones ha crecido de forma exponencial, impulsado en gran parte por la llegada de las plataformas. “Ahora hay una responsabilidad mayor de tener que dar niveles más altos de calidad. Nosotros tenemos un show que está compitiendo, en el buen sentido de la palabra, junto a Stranger Things. El espectador en su interfaz del televisor puede ver una serie nacional junto a una internacional en la misma pantalla. Eso nos obliga a todos a dar el máximo nivel”, señala Ochoa. 

Un máster para entender la posproducción de forma global 

El Máster en Posproducción Audiovisual nace precisamente para responder a esa complejidad. 

“Lanzamos una formación muy completa que recorre todas las áreas de la posproducción”, explica Marian Briozzo, supervisora de posproducción y coordinadora del programa. “Los alumnos van a salir con una formación que los va a acompañar a lo largo de su carrera, aunque luego se dediquen a un área específica de la posproducción”. 

Durante 640 horas de formación, el alumnado trabaja de manera práctica con material real, enfrentándose a los mismos retos que en un entorno profesional: flujos de trabajo, gestión de formatos, coordinación entre departamentos o toma de decisiones técnicas y creativas. 

El recorrido del máster sigue el propio proceso de una producción: montaje, tratamiento de imagen y color, VFX, sonido y música, grafismo y deliveries y entrega final.  

Todo ello acompañado de una base de industria que permite entender cómo se financian, organizan y ejecutan los proyectos audiovisuales. 

Más allá de la técnica: aprender a trabajar en equipo 

Uno de los grandes aprendizajes del máster es entender la posproducción como un trabajo colectivo. 

“Uno de los errores más comunes es la falta de planificación y comunicación entre departamentos”, apunta Ochoa. “Aquí se aprende a trabajar con tiempos, a tomar decisiones y a coordinarse con dirección, fotografía o producción”. 

Esa visión global permite al alumnado “hablar el mismo idioma que todos los departamentos”, algo clave en una industria donde los equipos son cada vez más grandes y especializados. 

Una industria en transformación (y en crecimiento) 

La posproducción es hoy uno de los perfiles más demandados del sector audiovisual. 

El aumento de la producción (cine, series, plataformas, publicidad) ha multiplicado la necesidad de profesionales cualificados. Y, por ello, también han aparecido nuevos roles. 

“Las plataformas han profesionalizado muchos puestos que antes no existían o se compartían”, explica Briozzo. “Coordinadores, editores de VFX, supervisores musicales… son perfiles cada vez más necesarios”. 

Este contexto hace que la formación pase de ser opcional a imprescindible para acceder a la industria con garantías. 

¿A quién está dirigido este máster? 

El programa está pensado para perfiles diversos: 

• Estudiantes o graduados que quieran orientarse hacia la posproducción. 

• Profesionales del sector que buscan especializarse. 

• Filmmakers que quieren entender todo el proceso para sus propios proyectos. 

“Llegan perfiles muy distintos”, explica Ochoa. “Desde personas interesadas en una disciplina concreta hasta quienes quieren una visión completa para luego decidir su camino”. 

Aprender desde dentro de la industria 

Uno de los pilares del máster es su conexión directa con el mundo profesional. 

El programa cuenta con docentes en activo y se desarrolla en un entorno que replica las dinámicas reales de trabajo. “No enseñamos solo herramientas, enseñamos a trabajar en la industria”, resume Briozzo. 

Además, el formato intensivo, de lunes a viernes, permite una inmersión completa en la experiencia ECAM, favoreciendo la creación de equipos y redes profesionales que acompañarán al alumnado en su carrera. 

Un punto de partida para construir una carrera 

Las salidas profesionales del máster abarcan diferentes áreas de la posproducción: 

• Auxiliares en montaje, sonido, color o VFX  

• Técnicos junior de posproducción  

• Perfiles capaces de gestionar proyectos completos  

Pero, sobre todo, el máster funciona como base para una especialización posterior. 

“Es una formación que te acompaña toda la vida”, concluye Briozzo. “Porque, aunque luego te especialices, entender todo el proceso marca la diferencia”. 

La posproducción como lugar creativo 

En un momento en el que la industria audiovisual no deja de crecer, la posproducción se consolida como uno de sus pilares fundamentales. Un espacio donde la técnica y la creatividad se encuentran, las decisiones importan y, en última instancia, la historia termina de tomar forma. ¿Te gustaría formar parte de esta área profesional? ¡Apúntate al máster aquí!   

La restauración y preservación fílmica es un proceso imprescindible para proteger el patrimonio audiovisual. Este proceso trabaja en recuperar, conservar y respetar la obra original: su color, su textura, su sonido y su contexto histórico. 

Cada fotograma restaurado es una decisión técnica y ética. ¿Hasta dónde intervenir? ¿Cómo recuperar una película sin alterar su esencia? Para responder a estas preguntas, los profesionales del sector trabajan con materiales originales (negativos, copias en celuloide o archivos digitales) aplicando procesos de limpieza, escaneado en alta resolución, corrección de color y restauración sonora. 

Y todo ello con un objetivo claro: que el cine siga vivo. En esta línea, el Máster en Restauración y Preservación Fílmica de la ECAM forma a los profesionales que harán posible que estas películas sigan existiendo. 

Cómo se restaura una película 

El proceso de restauración puede comenzar décadas después del estreno de una obra. En muchos casos, los materiales originales presentan daños físicos, pérdida de color o problemas de sonido. 

El trabajo se desarrolla en varias fases: localización y análisis del material original, digitalización en alta resolución, restauración imagen a imagen, corrección de color y limpieza de defectos, restauración sonora y conformado final y master para exhibición.

Hoy, muchas de estas restauraciones buscan, más allá de preservar, también devolver las películas a las salas de cine, donde recuperan su experiencia original.

Un máster para formar a los profesionales del futuro 

En este contexto nace el Máster en Restauración y Preservación Fílmica, un máster único en España que combina tecnología, práctica y análisis crítico del cine, y que prepara al alumnado para trabajar en filmotecas, laboratorios y proyectos internacionales de restauración. 

El programa aborda todo el flujo de trabajo: desde la identificación y catalogación de materiales hasta la restauración digital avanzada, incluyendo software especializado y trabajo con herramientas reales del sector. Además, el alumnado participa en proyectos prácticos de restauración de archivos históricos, acercándose al trabajo real de la industria. Las matrículas aún están abiertas, puedes inscribirte en este enlace.

Con una nueva edición que se ha trabajado en colaboración con La Cinémathèque française, con una presentación a cargo de Fréderic Bonnaud, director general de La Cinémathèque française, y con un prólogo escrito para la ocasión por Jaume Peracaula, amigo personal de Almendros y revisor técnico de la edición original, este libro viene a enriquecer la colección Imprenta Dinámica como una pieza fundamental para estudiantes, profesionales y amantes del cine, consolidando el compromiso de ECAM, DAMA y Caimán Cuadernos de Cine con la difusión del pensamiento cinematográfico. Aparece así una edición que, al prefacio original de François Truffaut, suma una amplia bibliografía sobre Almendros y un extenso índice onomástico.

En ‘Días de una cámara’, el autor ofrece sus personales y sinceras reflexiones – de carácter técnico, estético y estilístico a la vez – sobre cada una de las películas en las que intervino como director de fotografía. Un itinerario apasionante por obras de la magnitud de ‘La coleccionista’, ‘El pequeño salvaje’, ‘Mi noche con Maud’, ‘Las dos inglesas y el amor’, ‘La marquesa de O.’, ‘Días del cielo’, ‘Kramer contra Kramer’, ‘El último metro’ o ‘La decisión de Sophie’.

Sobre el autor

En palabras del autor: “Mi paisaje favorito en el cine es el rostro humano; en él, encuentro la suma y compendio de todos: los más fascinantes montes y valles, los más cristalinos lagos, los más frondosos bosques (…). Un principio básico en mi trabajo es el que las fuentes de luz estén justificadas. Creo que lo funcional es bello, que la luz funcional es hermosa. Aspiro a que mi luz sea más lógica que estética”.

Ganador del Oscar de Hollywood a la Mejor Fotografía por la película ‘Días del cielo’, de Terrance Malick, Almendros fue un colaborador esencial para cineastas como Éric Rohmer, François Truffaut, Barbet Schroeder, Monte Hellman, Jean Eustache, Robert Benton o Martin Scorsese. Su extensa filmografía le desvela como una figura central y de enorme significación para el cine de la modernidad por su trabajo con la luz natural, por su filosofía de la cámara y el encuadre, y por un elegante estilo visual que proviene de una concepción orgánica de todo el proceso creativo de la imagen.

La colección Imprenta Dinámica (definición del cine que daba Ramón Gómez de la Serna), editada por ECAM y DAMA en colaboración con Caimán Cuadernos de Cine, es una línea de publicaciones concebida para poner a disposición de los lectores una serie de libros que ofrezcan, al mismo tiempo, conocimientos útiles para el desempeño de la profesión cinematográfica y una reflexión teórica y divulgativa capaz de interesar a un amplio espectro de aficionados al cine y a la cultura audiovisual contemporánea. La colección ha editado ‘En el momento del parpadeo’ (Walter Murch), ‘La caja de madera’ (Enrique Urbizu y Carlos Gómez), ‘Cuentos de los mil y un Rohmer’ (Françoise Etchegaray), ‘La reescritura infinita’ (Enric Albero), ‘El acto de creación en el cine’ (Alain Bergala), ‘El cine deseado’ (Carlos Losilla), ‘Iceberg Borau’ (Carlos F. Heredero), ‘Me quitaron de en medio’ (Nicholas Ray), ‘El cazador de mariposas’ (Marta Andreu), ‘Viaje al corazón del bosque’ (John Yorke) y ‘Días de una cámara’ (Néstor Almendros).

Sobre la ECAM

ECAM (Escuela de Cinematografía y del Audiovisual de la Comunidad de Madrid) es una fundación cultural sin ánimo de lucro cuyo objetivo es formar a las próximas generaciones de cineastas y promover actividades culturales asociadas al sector audiovisual. Cada año más de 300 profesionales en activo del cine, la televisión y la publicidad pasan por sus instalaciones para transmitir su conocimiento a las nuevas promociones de estudiantes. Diplomaturas, Formación de Posgrado, Alfabetización Audiovisual y Formación Continua son la gama de titulaciones que componen la oferta educativa de la escuela, que se adapta a las necesidades del mercado laboral y de la industria audiovisual. Su profesorado y las relaciones institucionales establecidas con el sector le permiten generar puentes con el mundo profesional, haciendo de la ECAM un punto de encuentro de la industria cinematográfica.

Sobre DAMA

Con más de 25 años de experiencia, DAMA es la única entidad española especializada en la gestión colectiva de derechos de obras audiovisuales, y se ha convertido en la referencia del sector gracias a su transparencia en la recaudación y el reparto. Además, trabaja para promover y defender la creación audiovisual a través de diferentes programas asistenciales y de formación. Presidida por la guionista de cine y tv Virginia Yagüe, DAMA cuenta con más de 3.500 socias y socios, y gestiona los derechos de remuneración de los autores audiovisuales (directores y guionistas) de 40 países.

Sobre Caimán Cuadernos de Cine

Caimán Cuadernos de Cine (ex Cahiers du cinéma. España) es una revista mensual y especializada, fundada en mayo de 2007. Siguiendo la estela de la histórica publicación francesa, la revista propone una mirada crítica y reflexiva sobre el cine de nuestra época y sobre el conjunto de la Historia del cine. Es también un motor de iniciativas y un ámbito de intervención sobre el conjunto de la institución fílmica, publica dosieres y cuadernillos especiales sobre una multitud de temas, obras y personalidades, a la vez que organiza y dirige cursos de cine y de crítica cinematográfica y edita libros en colaboración con múltiples instituciones (festivales, escuelas de cine, museos, etc.).

Sobre La Cinémathèque française

Fundada en 1936 por Henri Langlois, Georges Franju, Jean Mitry y Paul Auguste Harlé. Tiene como misión recopilar, conservar, restaurar y difundir el patrimonio cinematográfico mundial. Con el paso de los años se ha convertido en uno de los archivos más famosos del mundo gracias a la riqueza de sus colecciones, que pone en valor mediante retrospectivas cinematográficas, conferencias y clases magistrales, exposiciones temporales y publicaciones, tanto científicas, como dirigidas al gran público.